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Des mois après le passage de Yacine Belhousse à l’Européen, j’ai regardé Yacine Belhousse joue son spectacle en replay (disponible sur MyCanal et Comédie+). Comme l’humoriste ne m’avait pas autant convaincu dans Révolutions et qu’il n’avait pas besoin de moi pour l’aider à remplir, j’ai passé mon chemin. Aujourd’hui, je reconnais solennellement mon erreur.



Yacine Belhousse joue son spectacle : un aboutissement artistique ?



Ça y est, j’ai donc compris le génie de Yacine Belhousse. L’ancienne moi, sceptique face à tant de fanatisme chez ses pairs, retourne donc aujourd’hui sa veste avec un plaisir non dissimulé.



La première chose à comprendre, c’est qu’on peut créer un spectacle original sans perdre son public. Tant de spectacles commencent avec des débuts rassurants, sans prise de risque. Oubliez cela avec Yacine Belhousse. Dès les premières secondes, le spectacle déborde de créativité. L’univers est planté sans aucune préparation édulcorée. Les bruitages, histoires et situations ubuesques se succèdent.



Résultat : même derrière mon écran, j’éclate de rire. Cela devient rare, à force de voir des spectacles… Il faut vraiment y aller pour me provoquer quelque chose.



Pas que pour les puristes : une originalité accessible



Je ne connais pas bien le début de carrière de Yacine Belhousse. En revanche, en regardant son spectacle, j’ai le sentiment d’un aboutissement. Vu mon attrait pour l’originalité, il était finalement étrange que je ne soutienne pas tant que ça cet artiste. Je suis simplement passée à côté, pour des raisons qui m’échappent. Adrien Montowski, j’ai compris tout de suite. Jean-Philippe de Tinguy, idem. Je ne vous parle même pas de William Pilet : vu en coup de vent sur scène, je sais déjà que j’aime.



Alors, quelles raisons expliquent mes œillères d’antan ? Je connais bien sûr la première : mon attrait pour les artistes qui commencent à éclore. Comme si je jouais les devins, j’aime me projeter dans la suite fructueuse, parier sur un cheval qui vient de commencer à trotter. Quand la personne a déjà construit sa légitimité, j’ai plus de mal à la conter. Et c’est donc un plaisir bien plus jouissif, a posteriori, de faire ce chemin et de comprendre un artiste… après la tempête.



Mais il y a plus que ça. Je trouve ce spectacle si bien ficelé que Yacine Belhousse n’a pas à ramer pour embarquer le public. Cela semble naturel : comme souvent dans ce cas de figure, c’est la preuve d’un travail acharné. À peaufiner dans les plateaux, mais pas seulement. Pour l’avoir souvent vu dans les caves parisiennes, j’ai retrouvé certains passages. Mais contrairement à d’autres artistes, les passages en plateau ne divulgâchent pas l’ensemble. L’atmosphère du spectacle complet est unique, envoûtante.



Bref, c’est la grande classe et ça prouve que ceux que je trouvais fanatiques avaient simplement compris. Je vous souhaite que le même constat vous saute à la gueule quand vous regarderez ce spectacle.

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En juin et juillet, Cécile Marx a rodé son nouveau spectacle, Crue, au théâtre BO Saint Martin. Nous avons pu le voir avant sa programmation régulière dès la rentrée.



Cécile Marx, de comédienne à humoriste



Cécile Marx a l’expérience pour elle. Ce n’est pas son premier spectacle, puisque son premier one woman show Love Fiction remonte à 2016. Contrairement à cinq ans plus tôt, Cécile Marx assure à la fois l’interprétation et l’écriture. Ça, c’est uniquement la partie humoristique : son bagage de comédienne est également bien rempli avec de nombreuses comédies au théâtre, parmi lesquelles Couscous aux lardons. Avec Audrey Baldassare, elle a également coécrit et joué une comédie en tournée et à Paris avant le confinement.



L’humoriste doit donc continuer cette transition de comédienne à artiste-auteur dans un paysage où les talents sont nombreux. L’enjeu est de taille : mêler la maîtrise technique et l’originalité comique. Niveau technique, les bases sont là depuis longtemps. Cécile Marx a beaucoup d’assurance, sa présence scénique est au rendez-vous.



Niveau originalité, il reste une marge de progression. La première partie du spectacle est un peu poussive, comme en attestent les rires timides de l’assemblée. Heureusement, grâce à un jeu et un sens du mime impeccable, le spectacle prend une autre dimension pour finir en apothéose.



Crue : un spectacle à fort potentiel grâce à une polyvalence à toute épreuve



Cécile Marx se retrouve dans une situation où elle peut proposer beaucoup. Elle sait aborder de nombreux sujets, jouer sur de nombreux registres… Le micro-slam de fin apporte de l’émotion, le segment sur « parler avec les mains » marque les esprits, etc.



Le défaut de cette polyvalence, c’est qu’on a l’impression que Cécile Marx n’a pas encore décidé où elle voulait mener ce spectacle. Ce défaut est en réalité la preuve du potentiel de cette heure au BO Saint Martin. En effet, après quelques dates de rodage (et un changement de titre, déjà !), Cécile Marx a l’embarras du choix pour le construire.



Je vous conseille d’aller la voir deux fois : au début de l’automne pour vous faire une idée, puis lors des dernières pour exulter. Je vous garantis que vous verrez deux spectacles différents et que vous aimerez suivre ce talent. Difficile de pronostiquer jusqu’où elle pourra aller. Une chose est sûre, néanmoins : elle a toutes les cartes en main pour construire un spectacle mémorable. La balle est dans son camp !

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Alexis Tramoni a décroché une programmation à la Petite Loge pour son spectacle Que ta mère. Alexis Tramoni, Que ta mère. Oui, rien que ça. À l’époque, la nouvelle a beaucoup fait réagir : les standards de qualité de cette salle étaient-ils revus à la baisse ? Ou alors était-ce le pari fou d’un exhibitionniste du cul ?



Les gens avaient beau parler, ils n’étaient pas là le jour de l’audition. Moi-même, je ne sais pas ce qui se cache dans la tête d’Alexis Tramoni. Certains le résumeraient sans doute ainsi :



Les cons, ça ose tout. C'est même à ça qu’on les reconnaît.



Alexis Tramoni, politiquement incorrect ou incorrection crasse ?



Sexiste, misogyne, raciste, le garçon ? Faut-il séparer l’œuvre de l’artiste ? Pendant que ses collègues dissertaient sur le sujet, Alexis Tramoni le lançait, son spectacle. Quand d’autres annulent, Tramoni attire les foules convaincues par ses vidéos virales. Il pousse le curseur à l’extrême, abuse de la vulgarité et promet de « taper sur tout le monde ». Comme un Gaspard Proust, en somme, l’air propre sur lui en moins…









On retrouve ce besoin d’exutoire dans les salles de spectacles, surtout dans les époques où les discours sont scrutés de près. La portée du message, la responsabilité des propos, le fait d’amener tous les sujets intelligemment… Et si Alexis Tramoni n’en avait simplement rien à branler ?



S’en foutre ou combattre une époque puritaine



Le clin d’œil est tout trouvé avec son homologue du vendredi 20 heures, Ghislain Blique. Pour autant, les deux propositions n’ont pas grand-chose à voir. Le premier est nonchalant, le second provoque à l’extrême.



Par ailleurs, proposer un spectacle comme celui-ci, c’est en avoir quelque chose à branler. Combattre le puritanisme comme on combattrait le réchauffement climatique, ça compte comme message politique ?



Alexis Tramoni dénonce donc le politiquement correct de l’époque avec une folie et une imprécision jouissive. On n’est pas sur le meilleur match technique, mais tout le monde s’en fout. Le public est venu voir un grand n’importe quoi, il est servi. Il m’a rappelé Paul Currie, cet humoriste frappadingue croisé au festival d’Édimbourg qui forçait son public à se murger (entre autres).



Alexis Tramoni et son rire démoniaque à la Petite Loge



Pour le reste ? Il est difficile de décrire ce spectacle sans le dévoiler. Disons simplement que le garçon a (malgré les apparences) une éthique, même si vous en douterez quelquefois. Son rire démoniaque vous fera trembler. Étonnamment, les interactions ne sont pas si violentes que ça (même si vous pouvez recevoir des trucs sur vous au premier rang).









Ses désamorçages de fin de carrière sont aussi des preuves qu’il maîtrise un peu son destin. On ne fait pas d’omelette sans casser des œufs, mais on connaît au moins la recette pour ne pas intoxiquer le public, en résumé.



Certains craignaient un suicide artistique, finalement tout le monde va bien. Le public exultait de voir quelqu’un oser tout dézinguer. S’il faut des spectacles bienveillants, il faut aussi des spectacles comme ça. L’avantage, c’est que celui-ci est ouvert à tous, pas seulement aux « tontons racistes » de France et de Navarre.



Au terme du spectacle, Alexis Tramoni annonce qu’il a plein de projets et qu’il cherche un producteur. À ce stade prématuré, le pari semble fou. Mais un humoriste complètement ravagé et ravageur de salles pourrait bien faire chavirer un Ruquier en mal de réac’titude.







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Émilie Hamm a investi le théâtre de la Petite Loge pour une exceptionnelle en juin. Elle y jouait son nouveau spectacle, L'école de la vie. Hors de mes radars habituels, elle m’a pourtant convaincue de la découvrir…



Émilie Hamm : la première d’une artiste expérimentée



Que cache une description de spectacle ? Avec Émilie Hamm, la réponse ne coulait pas de source. Je n’avais même pas effectué de recherches sur internet, faisant confiance à ces quelques lignes et la Petite Loge. Je devinais un CV de comédienne bien fourni (c’est le cas), quelque chose qui allait changer des humoristes de plateau (toujours un grand oui).



Vous le savez, j’adore les balbutiements des débuts. Cependant, tout indiquait des mois de travail avant de proposer une œuvre qui donne déjà l’impression d’un aboutissement. Les professionnels de l’humour savent qu’une première est toujours un « travail en cours », mais pour le spectateur classique, les fondations sont déjà solides.



L’école de la vie : un drame poignant à la Petite Loge



Derrière ce titre, j’imaginais une pièce très enfantine, optimiste. Ma surprise était donc totale à la découverte du thème central : l’expérience d’un deuil parental bien trop tôt. Aude Alisque explorait déjà ce registre deux semaines plus tôt. Toujours une exceptionnelle, toujours à la Petite Loge. Hasard du calendrier ?



Si Aude Alisque y consacrait quelques minutes, Émilie Hamm construit toute son histoire autour de cet événement. Sa grande force ? Avec l’aide d’Aude Galliou à la mise en scène et l’écriture, elle propose une mise en scène immersive, à couper le souffle. Elle est d’une justesse immense, tant dans le propos que dans le jeu, les placements, la voix…



L’école de la vie est une œuvre complexe. Chaque pièce du puzzle semble éparpillée au début du spectacle, plongeant le spectateur dans une attention totale. Happé par la narration, il reste alerte tandis qu’Émilie Hamm assemble le résultat final entre drame et légèreté. La science, la NASA, les souvenirs d’enfance, les déplacements à travers le globe… Tous les sujets ont leur raison d’être.



Émilie Hamm : une comédienne de haut rang à l’écriture impeccable



J’oppose souvent les auteurs qui apprennent à jouer et les comédiens au texte plus faible. Émilie Hamm dispose des deux cordes à son arc et elle vise plus juste que n’importe quel tireur d’élite. L’histoire est prenante, difficile à encaisser. Pour autant, Émilie Hamm réussit à éviter l’écueil du pathos : elle ne tremble pas une seule fois, ne verse aucune larme et accompagne l’ensemble avec un optimisme à toute épreuve.



C’est saisissant de force, ça demande quelques temps pour reprendre ses esprits. Pour mieux comprendre, je vais vous situer L’école de la vie sur l’échelle comique. Il y a la bonhomie candide d’une Marina Rollman qui évoque la dépression. Également, il y a l’émotion d’une Marion Mezadorian qui développe sa galerie de personnages. Mais ce n’est pas tout : je rencontre une comédienne à la singularité déjà bien présente, qui ne peut finalement être comparée à personne.



En résumé



J’ai trouvé ce spectacle saisissant. Défini comme un one woman show, c’est bien davantage un seul-en-scène touchant et drôle. Touchant avant d’être drôle, car les pièces de ce type ne promettent pas un rire toutes les 15 secondes. Ça n’aurait pas de sens, ça dénaturerait le propos et la force de la proposition artistique.



Parfois, on souhaite rire à gorge déployée pour tout oublier, en toute légèreté. À d’autres moments, on cherche des spectacles qui font prendre de la distance sur la dureté de la vie, sur la capacité que chacun a en lui pour s’en sortir. Il fallait une porte de sortie positive, un message final qui accompagne et permet d’encaisser le drame tout juste conté. Il est bien au rendez-vous, profondément actuel et révélateur d’une société qui souffre, mais qui a toutes les armes pour se relever.



Depuis près d’un an et demi, Émilie Hamm devait jouer ce spectacle. Les confinements successifs décalaient ainsi l’échéance et permettaient une refonte totale du spectacle. Face à un gratin de professionnels qui ont suivi la création du spectacle (Clémence Bracq, Jessie Varin, Valentine Mabille…), elle a offert un spectacle remanié. Preuve s’il en est que les répétitions et la collaboration artistique peuvent aussi faire évoluer des spectacles sans tester des passages en plateau de stand-up.



Crédits photo



© Jody Carter

                    [post_title] => L’école de la vie, le spectacle captivant d’Émilie Hamm
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Après tant de soirées passées à écumer les salles de stand-up, un humoriste résistait encore à notre venue : Urbain, actuellement au Point Virgule. Dans la file d’attente du théâtre, Simon Pintault me reconnaît. Le MC de la Topito Open Mic Night s’étonne que je n’aie jamais vu ce spectacle, Saison 1, Épisode 1. Je bredouille deux ou trois excuses, arguant qu’Urbain est trop connu.



Trop connu dans le microcosme comique parisien peut-être, mais toujours en route pour affirmer sa singularité ! Pour comprendre ce délai, il faut sûrement relire le portrait de mars dernier, où j’expliquais le processus qui m’a fait apprécier Urbain.



Saison 1, Épisode 1 : comme les séries cultes, Urbain se bonifie avec le temps



Pour paraphraser Ted Mosby, Urbain est complexe et requiert plusieurs écoutes. Il est Stairway to Heaven. Le voir en plateau ne donne d’ailleurs qu’un aperçu. Sur une heure, on se demande ce qu’il peut fournir, tant il mobilise ses talents dans les vidéos de Topito comme directeur créa et acteur et dans le podcast Plutôt caustique.



Deux formats très différents l’un de l’autre : des vidéos virales destinées au plus grand nombre, un podcast de niche ultra-référencé, ode éternelle à François Cluzet. Les deux rencontrent un beau succès populaire, le podcast étant largement plébiscité dans les awards 2020. Pour avoir pris le train en marche, je ne sais pas toujours où je mets les pieds.









Mais je reste. Et c’est ça la force d’Urbain. Peu importe ce qu’il vous raconte : vous vivrez une immersion. Une immersion dans quoi ? Une forme pure de stand-up, qui aborde les sujets les plus classiques sous des angles parfois surprenants. Les vannes fusent, tombent toujours juste. Résultat : un public comblé, cueilli par surprise et qui se retrouve à exploser de rire lors de ces moments décisifs.



Urbain au Point Virgule : verdict



Il y a ceux qui prétendent faire du stand-up et ceux qui le font vraiment. Au Point Virgule, Urbain mêle une maîtrise de la discipline et des références pop-culture qui traversent les époques. Sans révolutionner sa forme comique, il vient sublimer le stand-up dans une maîtrise indéniable et une originalité rassembleuse.



En bref, vous profiterez d’une heure de spectacle de qualité, qui s’améliore au fil des représentations et qui plait au plus grand nombre !



Crédits photo/affiche



© KB Studios Paris - Stéphane Kerrad

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La réouverture des théâtres devrait intervenir le 19 mai prochain. Les chiffres de la pandémie sont en baisse, il fait beau, les artistes ont les crocs… Mais par où commencer ? J’ai fait le tour d’un célèbre site de réservation pour dresser des questions et enjeux sur les spectacles accessibles à la réservation.



Réouverture des théâtres : l’évolution d’anciennes connaissances



À chaque nouveau grand événement footballistique, devinez qui est sur le pont ? Charles Nouveau, bien évidemment. Pour l’occasion, l’humoriste aux 3 nationalités (Suisse, France et Espagne) investit l’Européen… parce qu’il n’y a pas de hasard ! La grande question : Hors jeu 4 ans après son premier rodage : le spectacle de Charles Nouveau a-t-il autant évolué que son sujet, le football ? Réponse les 6 et 7 juin à 20 heures.



Félix Radu a-t-il bien négocié son virage vers le seul-en-scène ? Après son passage à la Petite Loge, l’humoriste belge a continué de mûrir son spectacle Les mots s’improsent et son image de marque pour affirmer sa singularité. La grande question : appréciera-t-on plus cette version plus mature, ou préférions-nous la candeur des débuts ? Réponse les vendredis et samedis de juin à décembre, 19 heures pétantes.



Les nouveaux visages du rire : marqueront-ils l’histoire de la comédie ?



Il y aurait de nombreux talents à mentionner ici. J’ai volontairement choisi des personnes que je n’ai jamais vues. Exit donc la rentrée à la Petite Loge (pour cet article, du moins), bonjour les salles plus expérimentales encore. Je vous suggère ces trois tests :



Quel spectacle se cache derrière le conformisme rigoureux du pitch d’Audrey David ? J’ai déjà lu maintes et maintes fois ce genre de description, signe que l’artiste comprend ce qu’on attend d’elle… Mais impossible de deviner si cela sera original ou intéressant.
Quelqu’un m’a conseillé Marc Rougé… oui, mais qui ? Peu importe, il faut tester !
Jarnal, on m’a parlé de lui, il me semble… Que vois-je ? Il est mis en scène par François fucking Rollin ! J’achète face à cette preuve sociale qui défie toute concurrence !



Les gens connus : des valeurs sûres pour la réouverture des théâtres ?



D’habitude, j’évite de me ruer sur les spectacles des gens connus. Ils ont suffisamment de presse comme ça. Mais comme pour un film que tout le monde aurait vu, il faut se tenir au courant de ce qui se fait. C’est bien beau d’aimer les originaux, les expérimentaux, les nouveaux venus… Mais pour comprendre les goûts du public, il faut aussi se mettre à leur place lorsqu’ils vont voir des personnes recommandées par les médias, les attachés de presse, etc.



Voici donc une liste de spectacles à aller voir (non exhaustive et basée sur ce qui est actuellement en vente). Je finirai bien par me laisser tenter !



Inès Reg : n’essayez pas de l’esquiver. Le phénomène est trop fort, il faut savoir ce qu’il offre véritablement.
Éric et Quentin proposent sûrement le spectacle méta par excellence. Ce show fera-t-il autant rire le public que les professionnels ?
Verra-t-on Jérémy Ferrari un jour sur scène tant ses fans se ruent 1000 ans à l’avance sur les places ? Rien n’est moins sûr, même s’il promet une tournée prochainement…
Thomas N’Gijol peut-il nous faire davantage rire qu’en inventant le nom « CopyCaca » ?
Alex Vizorek continue son périple pour se la jouer humoriste, mais pas vraiment (le gimmick du seul-en-scène). Nouveau sujet : la mort…
Shirley Souagnon, humoriste ou philosophe des temps modernes ?
Michèle Bernier, parce qu’il faut y aller. C’est un monument (au même titre que Patrick Bosso).
Baptiste Lecaplain, parce qu’il le faut bien.
Verino : encore une fois, on sait pas trop ce qu’il y a dedans. Qu’importe, le public sera là.
Nora Hamzawi, parce qu’on ne pourra pas l’esquiver éternellement et qu’il faut enfin se faire à l’idée que non, ce n’est pas Pénélope Bagieu.
Pablo Mira : si on n’a jamais accroché à la télé (neutre, sans opinion, tout ça), peut-être qu’on va l’aimer en le rencontrant vraiment ?
Alban Ivanov, juste parce qu’il aime bien Pierre Thevenoux (voici la preuve).



Réouverture des théâtres : qui irez-vous voir ?



À l’heure actuelle, les réouvertures semblent encore lointaines, inaccessibles. Et si tout cela nous passait sous le nez ? C’est comme si nous ne savions plus vraiment comment ça marche. Organiser une sortie sans penser au couvre-feu, choisir un théâtre ou un artiste, inviter des amis… On aura envie de faire le bon choix, de voir ces premières sorties comme un rituel sacré.



Je vais être honnête : je ne pense pas réserver tout de suite. J’ai encore besoin de voir l’offre théâtrale complète et je dois revenir à la Petite Loge en priorité. C’est là que tout a commencé, c’est là que tout reprendra vraiment. En écrivant ces lignes, je n’ai fait que flâner. L’heure des décisions, des réservations, se fera encore attendre un peu. Comme pour conserver ce champ des possibles ouvert à toutes les opportunités. Et vous, qu’allez-vous voir à la réouverture des théâtres ?

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Dans Pierre Thevenoux est marrant, normalement, le pensionnaire du Point Virgule parvient à rendre hilare des salles entières. Après un beau rodage à la Petite Loge, le Poitevin continue donc son ascension comique. J’ai pu voir ce spectacle plusieurs fois dans les deux salles… Je profite donc de ce confinement pour replonger dans mes souvenirs et vous livrer cette critique-portrait !



Pierre Thevenoux est marrant, normalement : entre efficacité et simplicité



Début novembre, Antoinette Colin interviewait Pierre en direct sur Instagram. Fidèle à lui-même, l’humoriste ne se mettait pas en avant. Pourtant, la directrice artistique du Point Virgule lui en donnait largement l’occasion. Compliments sur sa discipline de travail, ses qualités d’humoriste… Pierre restait pourtant de marbre.



Il faut dire que Pierre Thevenoux a toujours été le marrant de la bande. Il fait partie de ces rares comiques capables de faire rire sur scène autant que dans la vie. Plaisantin dès son plus jeune âge, il s’est construit autour du rire.







Résultat : lorsqu’il arrive sur scène, la décontraction est de mise, les vannes sont d’une fluidité impeccable. Ceux qui l’ont déjà vu jouer savent que le rythme du spectacle est calibré : il l’a rôdé dans tous les plateaux de la capitale, à coups de quatre à six passages par soir lors des périodes les plus fastes. Pierre est donc à la fois un ordinateur comique d’une précision chirurgicale et un humoriste capable de divertir en toute simplicité. Voilà qui n’est pas donné à tout le monde !



Du rire de qualité pour gagner sa place au Point Virgule



Autre paradoxe, pour certains : Pierre Thevenoux parvient à s’engager dans ses textes sans tomber dans un humour pédant. Certains ont envie d’avoir l’air intéressant pour être intéressant sur scène, et c’est tout à fait louable.



Mais Pierre Thevenoux semble hermétique à une telle envie. Sans prise de tête, il préfère développer des réflexes instinctifs d’autodérision pour exister sur scène. Contrairement à d’autres, il ne court pas derrière un discours brillant pour se légitimer. Autrement dit, il livre ses blagues, sans prétention, et c’est tout.



Cela l’amène à aborder un humour engagé que j’ai toujours qualifié de « léger ». De nombreux critiques soulignent ses prises de position sur l’écologie, par exemple, comme si cela était essentiel pour s’implanter dans la scène. Je peux vous garantir qu’indépendamment des sujets abordés, Pierre est pleinement légitime sur scène. C’est ce gars « comme tout le monde » qui parle à tout le monde, qui profite ainsi d’une proximité rare et authentique avec le public.



Comment va-t-il donc chercher sa légitimité ? Il mobilise des méthodes comiques qui fonctionnent et une sincérité dans sa démarche. Résultat : il parvient à faire rire les salles de manière homogène, qu’il joue au Point Virgule ou en festival comme à Saint-Gervais. Il y a d’ailleurs reçu le prix Henri Salvad’Or, nouvelle preuve s’il en est de la reconnaissance de son talent.









Verdict



Dans son spectacle, les punchlines fusent. Pierre Thevenoux, c’est la mitraillette à vannes qui peut autant vous raconter des histoires, tenter une blague freestyle, interagir dans l’hilarité générale… Bref, c’est un moment de plaisir scénique partagé entre l’humoriste et le spectateur. Que demander de plus à un artiste ?

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Dans Soixante 2, Kyan Khojandi propose de nouveau le concept d’un humoriste sur scène pendant une minute à l’Européen. Bis repetita pour ce concept emprunté à la scène québécoise ? Pas vraiment : malgré des contraintes de temps, la formule parvient à évoluer et innover, voire surprendre !



Soixante 2 : Kyan Khojandi, le chef d’orchestre rassembleur de la comédie



Comme lors de la première édition, l’événement rassemble une partie de la scène humoristique et culturelle francophone. J’ai retrouvé la même frénésie qui vous transforme en supporter plutôt que spectateur. Impossible de rester indifférent face à un artiste invité par Kyan Kohojandi dans Soixante 2. Voici quelques cas de figure :



Vous n’aimez pas ce qu’il fait et devez composer avec l’attente, la patience voire la frustration.
Ou alors vous avez un a priori. Le passage vous fait alors changer d’avis, ce qui crée un lien indestructible avec l’artiste.
Dans le meilleur des mondes, vous adorez cette personne. Ainsi, c’est comme retrouver un pote de longue date ou crier woo! (Je ne me lasse pas des références de la série How I Met Your Mother.)



Le mot-clé pour chaque cas de figure ? « Vous ». Soixante 2 et la bande de Kyan Khojandi vous montrent plus que n’importe quel autre spectacle ce que vous aimez. L’enjeu, c’est de livrer l’instantané le plus fidèle possible de la communauté humoristique.









C’est presque cela, car on retrouve des artistes validés, capables de gérer un événement de la sorte. Les tous débutants n’ont pas leur place… De fait il y aura toujours un décalage entre la scène des habitués et celle du grand public. Simplement, l’étau se resserre de plus en plus, et cela offre un peu plus de latitude aux talents. Certains resteront dans l’angle mort pour le moment, mais ils finiront par avoir leur heure de gloire ! Si vous cherchez des noms, j’en ai bien soixante à vous proposer…



Le coup de cœur artistique



J’ai eu une pensée en regardant Soixante 2 : « Ce n’est pas grave de ne pas aimer tout le monde. C’est juste une frustration d’attendre les bonnes personnes. ». Telle est la métaphore qui résume ma quête de talents. Cette longue attente, parfois ennuyeuse à souhait… Mais qui débouche sur une délivrance.



Le moment où le temps s’arrête et où on découvre quelqu’un de nouveau. Ce putain de coup de foudre artistique. Reste à savoir si, pour un spectateur peu initié, ce coup de cœur peut intervenir en une minute… Je pense que oui, surtout que certains arrivent à changer l’atmosphère. Guy Carlier est remarquable dans sa manière d’apporter de l’émotion, par exemple. Autre belle révélation : j’ai aussi trouvé Gérémy Crédeville hypnotique, et je ne l’ai jamais autant aimé que cette minute-là.



Également, j’ai compris plus que jamais la magie des Fanny Ruwet et Paul Mirabel. Autrement dit, leur don naturel pour conquérir le public en un temps record. J’ai aimé retrouver Jean-Luc Lemoine, que je considère comme un « boss » de l’humour. Je pense à la chance que j’ai eu de le voir sur scène. Surtout que je rêve toujours d’un retour d’Éric et Ramzy sur les planches, ensemble. Mon approche de l’humour d’avant et celle d’aujourd’hui se sont entrechoquées.



Soixante 2 : les montagnes russes du rire ?



J’ai retrouvé Camille Lavabre, et je me suis dit qu’elle m’avait manqué sur scène. À l’époque, cela dit, je n’avais pas passé le meilleur des moments en la voyant à la Nouvelle Seine. Elle m’avait pris à partie, comme Nick Mukoko au Café Oscar. Pour autant, j’ai toujours aimé son originalité. Cela n’est clairement pas le cas avec Nick Mukoko que l’on commence à voir un peu partout. On en revient à ces clivages qui m’animent, entre efficacité et originalité, absurdité et banalités…



Oui, ces artistes ne laissent pas indifférent. Ils ont tous leur place, qu’on le veuille ou non. Même si un ou deux d’entre eux nous font douter : ils ne nous arrachent pas le moindre frémissement des joues. D’autres comme Donel Jack’sman se risquent à reprendre le mot « dinguerie », qu’on entend de plus en plus. Ce nouveau tic de langage, dans la bouche d’un Roman Frayssinet, est incarné. Mais dans celle de ses collègues admiratifs, sans doute, il risque de perdre tout son sens…



Mettre KO les clichés en soixante secondes : c’est possible !



Je terminerais tout de même sur une bonne note. Quand le rappeur Youssoupha a dégainé les mots « racisme anti-blanc », j’ai franchement craint le pire. Allait-on entendre le même discours de la même caste sur cette cause qui envahit les plateaux et Twitter ? Tout le contraire.



Youssoupha a apporté la preuve indéniable que l’on peut aborder des sujets qui sont rabâchés au lieu d’être étayés. Nécessaires mais vidés de leur sens par des militants désespérés de faire entendre leur cause. L’aborder avec intelligence, humour, finesse… Autrement dit, convaincre tout le monde, même ceux qui s’en foutent, a priori. Ceux qui, en somme, préfèrent l’humour pour le rire et non pas la politique. Ceux qui n’écoutent pas jusqu’au jour où on trouve le bon angle d’attaque.



Dans le reste du lot, j’ai adoré Charles Nouveau, brillant de la première à la dernière seconde. Il a fait, comme d’autres d’ailleurs, quelque chose qui a révélé son talent, son humour. Une prestation qui a provoqué une belle palette d’émotions positives. Cette minute est à l’image de ce format : peu importe comment vous l’abordez, l’essentiel est de vendre votre singularité. Et ils ont été nombreux à y parvenir !









Ceux qui ont échoué ont simplement montré ce qui leur manquait. Évidemment, il n’y avait aucune surprise à cela tant la caméra renvoie une image fidèle du chemin à parcourir… Mais peut-être ne le voient-ils pas, s’estimant déjà assez efficaces car validés, implantés dans l’écosystème ?



La 61e minute : que faire après avoir regardé Kyan et ses Soixante 2 minutes ?



Après le spectacle, le spectateur profite d’un vaste making of qui explique la démarche. Si vous êtes comme moi et que vous n’avez découvert que quelques musiciens, vous aimerez l’accès à ces coulisses. Roselyne Bachelot devrait elle aussi regarder Soixante 2. Histoire de comprendre comment un protocole sanitaire efficace peut faire vivre le spectacle vivant en temps de pandémie, si jamais…



Soixante 2 ne peut se terminer comme cela. C’est une vaste ouverture à la découverte des talents. J’espère qu’elle fera naître de nombreuses conversations. Que ces conversations, à court terme, aboutiront à la découverte d’artistes dans les salles et sur leurs réseaux sociaux. Ce spectacle fait rayonner le monde de l’humour et redonne la pêche, l’envie de faire vivre ce secteur. Non pas parce que c’est un truc de précaires, mais un truc de talents.

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Juste avant le premier confinement, j’ai pu voir le spectacle d’Alexandre Kominek au Théâtre BO Saint Martin. Mes derniers souvenirs heureux en spectacle vivant m’accompagnent au cœur de cette nouvelle épreuve solitaire… Je vous invite donc à les partager, histoire que nous traversions cette épreuve tous ensemble, avant de renouer avec le plaisir de rire… et plus si affinités.



Alexandre Kominek au BO Saint Martin : un plaisir coupable à consommer sans modération



J’ai toujours vu les heures d’Alexandre Kominek avec une dimension personnelle. Quand je l’ai découvert à la Petite Loge, j’avais proposé l’angle du rencard pour découvrir le « bâtard sensible » qui se produisait sur scène.



Au BO Saint Martin, il n’était plus question de « bâtard sensible », puisque le nom du spectacle avait disparu. En revanche, la démarche restait personnelle puisque je choisissais de voir ce spectacle le jour de mon anniversaire. On retrouvait cet angle de plaisir coupable, égoïste ou défendu, c’est selon.



Ces démarches ne sont pas anodines. Si nous voyageons dans l’histoire de la comédie, les artistes qui jouent sur l’angle de la séduction sont nombreux. Alors, comment innover quand on suit les traces d’un marronnier comique ? La seule carte à jouer, c’est celle de la sincérité. Parce que tout le monde séduit, que cela se termine avec perte et fracas ou succès et donzelles. Et cela, Alexandre Kominek l’a bien compris et le célèbre avec brio.







Kominek, la bête de scène



Certains la jouent martyrs romantiques, d’autres losers sentimentaux. Alexandre Kominek est plus une bête de scène : plus animal, plus graphique. En somme, c’est le pire cauchemar/homme providentiel de toutes les Madame de Tourvel de ce monde… En d’autres termes, celui qui réveille toutes celles qui se cachent derrière un puritanisme de façade.



Résultat : le rire est aussi animal que l’artiste sur scène. Oubliez la pudeur, Alexandre Kominek préfère la dévotion. Un jeu impeccable, des anecdotes plus folles les unes que les autres, et cette dérision teintée de sensibilité qui enrobe le tout.



Malheureusement, ce type d’œuvre culturelle laisse parfois certains critiques de marbre. Jugée pas assez sophistiquée ou recherchée, tombant dans de la vulgarité, parfois… Laissez-moi contredire ces bienpensants et autres coincés du rire. Au risque de les décevoir, il y a de la finesse dans cette débauche hilarante, du message sous-jacent derrière ces moments de vie à la gloire relative… Seuls ceux qui passent outre les préjugés peuvent en profiter, et je ne boude pas mon plaisir de faire partie de cette caste !



Je terminerai avec ce bonus : après le spectacle, Alexandre me confiait sa déception. Il venait de jouer en Suisse et sortait de plusieurs soirées très réussies. À Paris, dans la nuit de cette fin d’hiver, il semblait refroidi. Malgré une prestation que je trouvais bonne, les premiers effets de la crainte de la pandémie avaient raréfié les spectateurs dans la salle. Sa déception démontrait qu’il ne se reposait pas sur ses acquis et en voulait toujours plus. Le marqueur d’un futur grand du rire.

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Après un rodage fructueux au Point Virgule, Panayotis a tenté à plusieurs reprises de jouer son spectacle Presque dans des salles plus vastes. Malgré les nombreux reports, nous avons pu assister à l’une de ses représentations au Grand Point Virgule. Découvrez la critique de Zelda Atlan !



Les années se sont écoulées et le grand public se demandait où était passé la tête à claque du Petit Journal. Finies les interviews de stagiaire pré-pubère, place à une plume mature et un Panayotis grandi. 



Dirigée par l’œil aiguisé de Fary, la mise en scène demeure fidèle à celle du stand-up traditionnel. Un plateau vide qui comporte uniquement un micro sur pied. Basique, mais cependant efficace, puisqu’il sert d’appui de jeu pour Panayotis.



Du haut de ses 22 ans, Panayotis Pascot s’est lancé le pari de nous faire rire. Comment y parvient-il ? Sa recette est simple : une pincée d’anecdotes gênantes, un soupçon d’introspection, le tout agrémenté d’un grain de folie. 



Presque de Panayotis : un voyage entre storytelling et introspection



Pendant près d’une heure et demie de spectacle, Panayotis nous ouvre la porte de son intimité en nous contant des épisodes de sa vie. Toujours avec humour et légèreté, il aborde des sujets qui, avec le recul, ne semblent pas si drôles. Dans un premier temps, Panayotis met l’accent sur cette question de la masculinité en se confrontant aux hommes de sa vie, notamment son père. Au cœur de ses vannes, Panayotis tire la corde entre humour et thèmes délicats : un père qui se jette dans des orties afin de prouver qu’un homme, ça ne pleure pas. Au vu des rires dans la salle, le succès est au rendez-vous.









Visiblement, cette injonction à « devenir un homme version 2.0 » a laissé à Panayotis quelques séquelles quant à l’expression de ses sentiments. Ainsi, il nous conte avec naïveté et gêne ses ratés auprès de la gente féminine. Par exemple, une envie de pisser totalement simulée car il est incapable d’embrasser le premier.



Des personnages interprétés avec brio



Côté jeu, là encore Panayotis réussit à marquer des points. Il n’hésite pas à incarner les personnages de sa vie. Notamment ce colocataire un peu dépressif et en pleine crise de la quarantaine que Panayotis n’hésite pas à rendre drôle et attachant.









Hormis la mise en lumière des acteurs de la vie de Panayotis, Presque est avant tout un spectacle introspectif. Ce spectacle questionne autant qu’il a questionné son créateur. Sur scène, Panayotis privilégie la sincérité à l’humour engagé. C’est d’ailleurs pourquoi il sort ému de son spectacle. Dans son interprétation comme à travers ses mots, Panayotis nous dévoile presque une partie de lui. 



Verdict : faut-il aller voir Presque, le spectacle de Panayotis ?



Si nous recommandons ce spectacle, il nous interroge sur les futurs angles artistiques de Payanotis. Certes, Presque est un spectacle bien écrit et authentique. Mais Panayotis s’est-il enfermé dans un personnage déjà trop dessiné, que le spectateur aurait déjà cerné ? Croisons les doigts pour que Panayotis reste aussi surprenant que drôle à l’avenir…




💬 Le mot de la rédac’ chef



Merci à Lisa pour cette belle critique du spectacle de Panayotis au Grand Point Virgule ! Une fois encore, le jeune prodige de l’humour fait mouche.



Une chose est sûre : ce genre de critique honore ceux qui sont allés au bout de leur proposition artistique à l’instant T, et la crainte de Lisa sera probablement levée dans son prochain spectacle. L’avantage, vu son jeune âge, c’est qu’il a tout le temps pour se développer, que ce soit sur scène ou dans ses projets de réalisation.









Pour l’heure, ce spectacle a encore de beaux jours devant lui ! Enfin, quand nous pourrons à nouveau sortir au théâtre… Ne nous faisons pas de souci, cela dit : tant que son producteur Jean-Marc Dumontet garde le même enthousiasme, l’espoir est de mise !


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Depuis maintenant un an, C’était mieux maintenant est à l’affiche du plus petit théâtre de la capitale. À l’origine de ce titre nuancé, l’humoriste Avril aborde chaque représentation avec l’envie d’évoluer. Comment Avril parvient-il à construire son style d’humour ? Pourquoi, malgré les multiples changements, réussit-il à conserver de solides fondations comiques ?



Même si Avril n’a pas joué une année complète en raison du confinement, je vous propose un premier bilan. Pour ce faire, j’ai épluché les critiques sur un célèbre site de réservation de spectacles. Quatre grands volets émergent : originalité, ambiance, écriture et maîtrise.



Originalité : C’était mieux maintenant n’est pas un spectacle comme les autres



« Différent », « rafraîchissant », Avril emporte le public dans ses « folles réflexions ». Sa force se situe entre un « humour décalé » et une « personnalité intrigante ». La quête d’originalité d’Avril est d’abord un combat. Très compétitif envers lui-même, il a cette envie de développer une originalité et ne pas faire comme tout le monde.








Cela se traduit notamment par son besoin de développer une pensée critique distanciée de tous lieux communs. C’est le propre des curieux : ils ne prennent rien pour acquis, ne se satisfont pas des poncifs et questionnent tout. Il aurait pu être chercheur, mais il se serait doute ennuyé ferme dans cette vie-là.



Sa polyvalence l’amène donc à pouvoir évoquer de nombreux sujets. Cette envie de tout comprendre et de sortir des sujets habituels est forte chez lui. Mais contrairement à d’autres, il a compris qu’il n’est pas nécessaire d’avoir l’air intéressant pour le devenir… À mon sens, les humoristes qui veulent délivrer des messages au détriment du rire se sont trompés de vocation. Ils devraient plutôt s’engager en politique et laisser la scène aux orfèvres de la vanne.



Expérience et ambiance : vous allez vous en souvenir !



Parce qu’avant toute chose, Avril aime provoquer les rires. Il veut avoir l’air agréable et amuser la galerie. Comment cela se traduit-il ? Selon les spectateurs, « on le suit comme une évidence » grâce à « son aisance déconcertante ». Pour cela, il « crée une atmosphère unique ». Nombreux sont ceux qui décrivent « un très bon moment » passé à la Petite Loge.



C’est peut-être le volet le moins connu d’Avril. Il parvient souvent à surprendre et se surprendre lui-même. Il nous amène ainsi à croire qu’il n’est pas perçu comme sympathique, prenant l’exemple d’un retour spectateur après une scène.



Au final, son heure est l’occasion de dégommer cette critique (dont vous ne trouverez aucune trace !) : les interactions créent un moment assez fort, surtout pour ceux qui interagissent. Outre les échanges, Avril mise sur une autodérision saine. Son désamour pour la victimisation fait qu’il s’amuse de lui-même et diffuse un rire communicatif dans toute la salle.



Chaque prestation devient unique, ce qui amène parfois Avril à lutter pour conserver son fil conducteur.



Finesse et qualité d’écriture : entre précision et bouillonnement



Heureusement, il mobilise une « écriture ciselée et intelligente ». Il propose ainsi « un texte réfléchi et personnel ». La perception des spectateurs prouve que ça fonctionne : Avril est « fin, drôle et subtil à souhait ».



Sur ce point, Avril a évolué. Il a certes toujours su et aimé écrire avec intelligence. Cependant, il avait du mal à se canaliser. C’est le propre de ceux qui ont longtemps contenu leur verbe et entendu des benêts mobiliser la parole. De fait, sa première prestation bouillonnait littéralement. Je la décrivais alors comme « un festival, un feu d'artifice et un gros bordel ultra-organisé ».



Contradictoire, n’est-ce pas ? Pas chez Avril, justement grâce à sa finesse et à la force de son écriture. Cette faculté à créer de la surprise dans le texte comme dans le jeu est rare. Il la propose de plus en plus, de mieux en mieux. Oscillant (hésitant ?) entre le seul-en-scène et le stand-up, Avril n’a peut-être pas encore saisi qu’il a trouvé le bon compromis entre l’efficacité et l’originalité comiques.



Car savoir écrire, c’est aussi créer un spectacle digeste pour le public. En un an, les progrès sont réels, même s’il reste quelques détails à fignoler. Cet automne, l’heure est beaucoup plus fluide, ponctuée de respirations rendant le tout agréable de bout en bout. Mais le 10 octobre dernier, il avait encore le désir d’en proposer toujours plus tout en respectant son temps de scène. Plutôt que de sacrifier un pan de son show, il a accéléré le rythme pour en sacrifier le moins possible. Avec plus d’expérience et une confiance accrue, il deviendra redoutable.



Maîtrise : C’était mieux maintenant, c’est toujours mieux à l’instant T !



Redoutable, c’est sûrement le bon adjectif pour rendre compte de la détermination d’Avril et de son envie de mettre tout le monde d’accord. Je parlais plus haut de l’efficacité comique. Très bon en storytelling, Avril est encore plus percutant sur une ou deux phrases. Mention spéciale à sa blague sur le risotto, l’un des nombreux exemples de ses trouvailles tout au long du spectacle. Pour les spectateurs, cela ne fait aucun doute : il propose de « très bonnes punchlines ».



En 2018-2019, Avril se reposait sur sa décontraction et son bagout sur scène. Il savait déjà occuper l’espace et créer une ambiance particulière. Mais il devait encore muscler son propos et son jeu. Le résultat est là : un « mélange d’univers et de procédés comiques différents » lui permettent de jouer sur de nombreux tableaux. Thierno Thioune doit prendre pas mal de plaisir à mettre en scène ce spectacle, et les deux forment un binôme très complémentaire.



Verdict : que vaut le spectacle C’était mieux maintenant d’Avril ?



Les spectateurs ne s’y trompent pas : ils ont affaire à « un talent de qualité promis à un bel avenir ». Ce type de critique n’est pas rare, bien sûr, sur les sites de réservation. En revanche, les conditions sont effectivement réunies pour que la prophétie devienne réalité.



Pour qu’un artiste émerge, il faut un savant mélange entre le talent et le travail. La force de travail d’Avril est indéniable : il le prouve chaque semaine au Laugh Steady Crew et il ne se repose jamais sur ses acquis. Question talent, en festival comme face aux observateurs, plus que de se frayer un chemin, il s’impose avec force.



Je l’ai toujours dit : à sa première scène, il m’a fallu quelques secondes pour percevoir qu’il allait marcher. Six mois plus tard, quand je l’ai revu, il avait à peine commencé à exprimer son potentiel et marquait déjà les esprits. La marge de progression, tous les artistes en bénéficient. Cependant, elle est plus ou moins vaste et prometteuse.



Vous l’avez compris : avec Avril, l’avantage, c’est que c’est toujours mieux maintenant. Chaque nouvelle représentation est un cran au-dessus de la précédente. Un artiste comme lui est en cela très intéressant à suivre. C’était mieux maintenant est donc un spectacle à voir et à revoir !

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Florent Peyre, humoriste passé par ONDAR, joue son nouveau spectacle Nature au Théâtre Trévise. Zelda Atlan, passionnée de théâtre reconvertie dans le stand-up, a pu y assister. Elle nous livre ses impressions.



Florent Peyre dans Nature : un show déconcertant, un humour décevant



Au premier abord, le titre de son spectacle Nature interroge. Pourtant, ce qui se passe sur scène est presque plus déconcertant que la disparition des orangs-outans. Selon le descriptif du spectacle de Florent Peyre, il s’agirait d’un entre-deux entre théâtre et one-man-show.



L’artiste propose finalement une comédie musicale sur l’environnement où il incarne chaque personnage. La musique, pour la petite histoire, est de Pascal Obispo. Malheureusement, il ne s’agit là ni d’une pièce de théâtre, ni d’un spectacle de one-man-show.



Un comédien à la hauteur du rendez-vous, mais un texte qui laisse à désirer



La performance mérite d’être relevée, notamment la mise en jeu. Le comédien sur scène assure côté technique. En effet, les rôles se succèdent avec une fluidité quasi-parfaite. La maîtrise de la voix est également impeccable… Mais Florent Peyre n’arrive pas à faire rire.



Dans le spectacle, Florent Peyre n’enchaîne pas les blagues. Au lieu de cela, il délivre des gags tout droit sortis du manuel L’humour pour les nuls. Les personnages sont par ailleurs stéréotypés et caricaturés. On pense notamment à cette version « beaufisée » du chef-technicien en régie.



L’improvisation sauve l’honneur



Le rire émane toutefois des passages improvisés. Ils constituaient finalement les seuls moments authentiques du spectacle. Malgré cette faiblesse textuelle, Florent Peyre reste en effet un très bon showman et sauve donc l’honneur.



Le message écolo qui se trame derrière toute cette mauvaise blague est totalement légitime. Or la performance n’en reste pas moins mauvaise. Si le public retient davantage la volonté de changer les mentalités, il en oubliera peut-être les faiblesses de la prestation globale.

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Haroun revient en spectacle avec Seuls. Le spot du rire a assisté au rodage de ce nouvel opus énigmatique au théâtre le Métropole. Comment l’un des patrons du rire francophone prépare-t-il son nouveau succès au théâtre Édouard VII en 2021 ? Retour sur une troisième représentation de qualité.



Seuls : Haroun envoie du lourd en vidéo… mais quel spectacle allez-vous voir ?



Paris, 3 octobre 2020. Je me retrouve devant le théâtre le Métropole par hasard. J’y découvre l’affiche du nouveau spectacle Seuls. Coup de chance : si la place est à 30 euros pour un rodage, il suffit d’une annonce pour que tout affiche complet en un temps record. J’ai réservé la veille in extremis, le jour J tout était quasiment complet en dépit du couvre-feu…



Plutôt que de vendre son spectacle via un pitch, Haroun préfère une bande-annonce qui envoie du lourd. En vidéo comme dans tout son art, Haroun est diablement efficace. Cela l’aide à amener les spectateurs derrière l’écran au théâtre.









Sans un mot, Haroun frappe fort. Quel spectacle un stand-upper silencieux va-t-il bien pouvoir offrir au public ? Le défi est de taille : la bande-annonce nous amène à nous projeter. J’aurais juré avoir lu un descriptif de spectacle, tant je l’avais imaginé. J’avais anticipé la thématique, je me projetais déjà. Trop ?



En effet, je voyais Haroun aborder l’effondrement du débat d’idées, celui qui nous isole dans des bulles sociales ou idéologiques au détriment du lien social. Je pensais qu’il mélangerait ses deux côtés « Dr Jekyll » et « Mr Hyde » pour démontrer que tout n’est jamais tout blanc ou tout noir.



Dr Jekyll et Mr Hyde : quand un personnage désabusé prend le contrôle



En réalité, le traitement m’a surpris. Au lieu de mélanger les genres et jouer sur des nuances, Haroun introduit un personnage radicalement différent. Dépressif, cynique et complètement désabusé… Il m’a un peu fait penser à Ghislain Blique, lors des premiers instants. Surtout quand il soupirait : c’était à s’y méprendre ! Cela dit, il ne ressemble pas tellement au (faux) « connard » que Ghislain aime incarner. On vous laisse la surprise… Même si vous pouvez vous attendre à un brin de cruauté !



Haroun : toujours efficace, malgré une prise de risque limitée



Pour le reste, on retrouve la « patte » Haroun : parler d’actualité avec beaucoup de réflexion, tout en apposant des moments d’humour pur, bien plus primaire. Le contraste fonctionne comme toujours, même si la forme est répétitive à la longue.



En cela, ce personnage vient rythmer le spectacle sans trop innover. Rien de surprenant : Haroun se repose sur une maîtrise supérieure à la moyenne. Il apporte de petites touches pour combler son public habituel. Pour le reste, son approche est un peu celle d’un Niki Lauda, celui qui s’accorde un pourcentage de risque limité. On aurait aimé un zeste de folie d’un James Hunt pour aller encore plus loin. Peut-être que cela viendra au fil de l’eau et des représentations. (Si vous n’avez pas la référence, regardez Rush. Retenez simplement que, guidé par cette philosophie, le gars a été un grand champion influent toute sa vie…)









Seuls, un spectacle évolutif, rodé en plateau : conseils pour garder l’effet de surprise devant Haroun



Haroun a d’ailleurs pour habitude d’adapter son spectacle au gré de l’actualité. Il écume les plateaux d’humour avec une discipline de fer que l’on retrouve chez un Roman Frayssinet. Mon conseil pour apprécier ces deux humoristes, et plus largement les ténors du rire : allez les voir en spectacle. Dans la mesure du possible, et surtout avant la représentation, évitez-les en plateau.



Vous conserverez ainsi l’effet de surprise de la première fois. Comme j’étais à la captation du plateau Pasquinade, j’ai vu certains passages que j’avais adorés. À la seconde écoute, je savais ce qui allait arriver et je riais plus mécaniquement, moins fortement. J’ai eu le même phénomène en découvrant Roman Frayssinet à l’Européen quelques années plus tôt…



La qualité toujours au rendez-vous



Ne vous méprenez pas : le spectacle Seuls de l’humoriste Haroun sera bon. Je l’ai découvert à la troisième date de son rodage. Précis, efficace, Haroun n’était en rien hésitant. On a affaire à un professionnel. Voir un rodage d’un comique déjà au point n’a rien à voir avec un rodage d’un nouveau venu à la Petite Loge, par exemple. Un premier spectacle, c’est un laboratoire. Tout est à construire ! L’univers, l’efficacité, l’originalité, le style…



En revanche, le nouveau spectacle d’un artiste validé et acclamé par la critique suppose des normes élevées de qualité. Une pression colossale qui impose de continuer d’évoluer au plus haut niveau. On ne le regarde pas avec le même prisme de lecture. Dans le viseur d’un critique, c’est moins jouissif, plus analytique. Pour l’artiste, le rapport au risque et à l’échec diffère…



Pour mieux vous projeter, voici divers cas de figure. Quand on adore Haroun et qu’on le suit depuis ses débuts, j’imagine que c’est un pur plaisir de retrouver les gimmicks, sa marque de fabrique, etc.



Quand on suit Haroun de temps en temps, on a déjà vu le tour de magie, ce qui n’empêche pas l’émerveillement. Tout dépend ensuite si vous aimez l’humour politique, efficace et taquin. Si oui, Haroun vous ravira amplement.



Si vous préférez l’humour absurde, par exemple, et que vous voulez découvrir une pointure du rire, c’est une autre histoire. Haroun saura vous plaire, bien sûr… Mais ce sera peut-être juste un bon spectacle pour vous. Toutefois, beaucoup en rêvent sans jamais y parvenir. En définitive, lui le réalise une nouvelle fois. Quand on voit un Ricky Gervais s’essouffler, là est peut-être la prouesse…

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Morgane Cadignan a repris son spectacle au Théâtre le Métropole en octobre dernier. Zelda Atlan, passionnée de théâtre reconvertie dans le stand-up, a pu y assister. Elle nous livre ses impressions.



Morgane Cadignan au Métropole : la bonne copine à la repartie de choc



« Moi, c’est après 9 verres de vin que je deviens aimable ». A-t-on droit au discours d’une copine aux penchants alcooliques, vers 23 heures un samedi soir ? Ne vous fiez pas aux apparences : derrière cette copine se cache en réalité Morgane Cadignan. Bientôt trentenaire, la nouvelle recrue de France Inter doit sa notoriété à son franc-parler et à son record de « brouillyocs » concoctés en soirées.









Pendant près d’une heure de spectacle, Morgane passe ainsi en revue les nouvelles tortures que l’époque nous inflige. Le bio, le développement personnel ou encore Anne Hidalgo : elle les dézingue toutes. Dans son discours contre la dictature du bonheur, elle nous rappelle qu’on ne peut pas être heureux constamment… Eh oui, ça en devient barbant.



Stand-uppeuse enchaînant les VDM cherche une existence fructueuse



Sous ses airs de bobo parisienne, Morgane ne fait donc pas dans de la dentelle. Elle narre avec malice la vérité crue de l’existence, ces détails qu’on aimerait ne jamais relever. Par exemple, les gens qui laissent leur gras du front sur les vitres du bus. Finalement, la Cadignan Machine enchaîne les anecdotes à la sauce VDM : horribles à raconter, mais parfaites pour se marrer.  



Morgane ne cherche pas le bonheur dans les livres de développement personnel. Elle pense plutôt le trouver en pleine heure blanche, le cul posé dans du tarama.



Verdict : faut-il aller voir Morgane Cadignan au Théâtre le Métropole ?



En somme, on a tous dans le cœur une Morgane Cadignan. L’humoriste nous rappelle avec humour qu’un cubis de rosé n’est jamais à délaisser. Pour la voir, rendez-vous au Théâtre Métropole les vendredis et samedis à 19h jusqu’à novembre et à 20h10 les jeudis, vendredis et samedis de décembre.

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Emma de Foucaud a joué son spectacle Trop tard pour annuler ce mercredi à la Petite Loge. Malgré la prise de parole d’Emmanuel Macron « en première partie » et un test Covid (revenu négatif), Emma était bien là pour nous faire rire.



Trop tard pour annuler : derrière ce titre, une préparation de tous les instants



Emma de Foucaud jouait pour la première fois dans cette salle parisienne, mais son spectacle n’est pas inédit. Sa première version, rodée à Toulouse avant son arrivée dans les plateaux parisiens, a donc déjà évolué.



Résultat : le spectacle d’Emma de Foucaud est précis, jamais hasardeux et très efficace. Dans la forme, c’est d’ailleurs plus que du stand-up pur. Emma adore le stand-up, on le sait, mais dans Trop tard pour annuler, la trentenaire joue aussi sur la forme. Outre un clown et un jeu bien ficelés, Emma de Foucaud propose aussi deux temps forts lors de son spectacle.



D’abord, son rap contre un membre du jury d’un festival humour est jouissif. Ensuite, son rappel autour de la langue des signes offre une fin en apothéose.



Question contenu et écriture, Trop tard pour annuler se construit autour d’une introspection bien fouillée. La plume d’Emma de Foucaud est très personnelle et apporte une belle touche d’originalité. On apprécie d’ailleurs sa connaissance de la discipline stand-up qui donne un cachet supplémentaire. Elle ne tombe pas dans la private joke et humanise le milieu avec beaucoup de justesse.



Emma de Foucaud remonte le moral du public (et pas seulement !)



On le disait en introduction : Emma de Foucaud a joué son spectacle à 21h30, soit juste après les annonces d’Emmanuel Macron sur le couvre-feu. Nous avons tous savouré notre chance de voir cette première, qui aurait pu être une dernière.



Cet instant suspendu a donné du baume au cœur au public qui venait d’apprendre cette décision couperet. Et c’est toujours dans ces moments-là qu’on profite des plus belles œuvres.



Avant le spectacle, Emma me confiait avoir été cas contact et avoir reçu in extremis son résultat négatif qui lui permettait de jouer. Dans des conditions difficiles, elle aurait pu sombrer. L’inverse s’est produit. J’étais au dernier rang, et je me délectais d’entendre la salle rire, mais pas seulement.



À la régie, Mélissa (qui a l’habitude de voir des spectacles…) enchaînait les éclats de rire. Je ne lui ai pas demandé si elle avait trouvé son nouveau coup de cœur après Rosa Bursztein. L’approbation sonore parlait d’elle-même.



Trop tard pour annuler : quand revoir ce spectacle ?



La Petite Loge s’engage à honorer tous ses spectacles malgré le couvre-feu, plus tôt en semaine et davantage en week-end. L’ensemble des artistes se réorganisait déjà avant les annonces…



Bonne nouvelle : à partir du 20 octobre, Emma de Foucaud jouera son spectacle les mardis à 19 heures jusqu’au terme du couvre-feu.

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Comme chaque année, le line-up de la soirée Étoiles Espoir humour du Parisien rassemble une sélection de la nouvelle génération humour. Qui sont les heureux élus pour cette édition 2020 à l’Européen ? Portraits.



En raison du deuxième confinement, cette soirée est annulée. Elle a tout de même eu lieu à la date prévue et sera diffusée le 4 janvier sur Comédie+ et MyCanal.



Étoiles Espoir humour du Parisien : le line-up en détail



En un coup d’œil, on découvre un line-up soigné pour les Étoiles Espoir humour à l’Européen. Homogène, cette programmation réunit plusieurs familles de la nouvelle génération humour. Qui succèdera à la promotion 2019, déjà de grande qualité ?



Fanny Ruwet



L’ascension fulgurante de Fanny Ruwet la place dans une posture particulière. Elle effectuait déjà ses débuts sous les feux des projecteurs. Grandir vite ne semble pas lui faire peur, et cette nomination en est d’autant plus légitime.









À Paris, en Belgique ou ailleurs, Fanny Ruwet prouve que l’humour francophone fonctionne sur tous les terrains. Dans son spectacle Bon anniversaire Jean, la jeune belge propose un univers autour du malaise en société, l’envie de socialiser et autres réjouissances.



Alexis Le Rossignol



Révélé par le Festival d’Humour de Paris, Alexis le Rossignol côtoie aussi Fanny Ruwet sur le plateau de France Inter. Son écriture ciselée et son vécu riche d’anecdotes ravissent le public depuis plusieurs années.









Au Point Virgule comme sur les ondes, celui qui narre le monde du travail comme personne a trouvé son public. Plus qu’un espoir, il confirme en 2020 son talent déjà avéré.



Jérémy Demay



Jérémy Demay est, en quelque sorte, le résident du Parisien. Déjà présent au festival Paris Paradis, ce parisien d’origine parti conquérir le Québec profite ainsi d’un beau coup de projecteur dans sa ville natale.









Charismatique sur scène, il devra ainsi ravir le public face à des têtes plus familières pour le public amateur de découvertes humour.



Marion Mezadorian



Valeur sûre de l’humour, Marion Mezadorian a émergé parmi les nouveaux artistes grâce à son spectacle Pépites. Comme Alexandra Pizzagali l’an passé, la comédienne a construit son spectacle comme une marathonienne.









Écriture d’une traite, construction dans plusieurs salles… Marion ne lâche rien et continue son bonhomme de chemin au Point Virgule. Ce statut fait d’elle une prétendante solide pour marquer l’histoire de l’humour.



Rosa Bursztein



Comme Marion Mezadorian, Rosa Bursztein a conquis l’une des attachées de presse les plus en vue en humour, Léo Domboy. Cette comédienne devenue humoriste de stand-up a trouvé sa place dans la kyrielle de talents disponibles sur le marché du rire.









Récemment, elle a exporté son spectacle (solidement rodé à la Petite Loge) au Point Virgule. Fidèle, elle continue de travailler sous l’œil bienveillant et exigeant de sa metteuse en scène, Adrienne Ollé. Si elle continue sur cette lancée, elle deviendra une véritable révélation humoristique.



Alexandre Kominek



Depuis le temps qu’on veut le voir émerger, Alexandre Kominek décroche une belle chance de se montrer à Paris. Celui qui se décrivait comme un « bâtard sensible » est bien subtil qu’il n’y paraît.









Faussement provocateur, l’humoriste genevois est, à l’instar d’un Clément K, un sous-coté bourré de talent. Pariez sur lui, c’est le cheval comique le plus racé que vous pouvez observer !



Edgar-Yves



Une carrière est loin d’être linéaire. Edgar-Yves est l’humoriste pour qui cet adage se vérifie le plus. Il s’accroche des années durant, mais malgré sa maîtrise, les observateurs ne croient pas tout de suite en lui.









Si ses démonstrations de force sont indéniables, il est contraint de reprendre à la base : les auditions du Point Virgule. Et là, les planètes s’alignent enfin. Il est à la fois découverte et vieux briscard. Une double casquette qui en imposera certainement sur la scène de l’Européen.



Morgane Cadignan



Forte d’une ascension rapide mais maîtrisée, Morgane Cadignan est la révélation de la rentrée médiatique sur France Inter. La comédienne et humoriste s’est rapidement fait un nom dans le microcosme des artistes à suivre.









Le Laugh Steady Crew, la Petite Loge puis la Comédie des Boulevards (maintenant le Métropole), lui accordent sa confiance. Elle attire l’œil d’un Gérard Sibelle, celui que l’on connaît pour sa découverte des plus grands, Florence Foresti en tête. Passée par Avignon, elle est désormais incontournable sur scène comme en chronique radio ou télé.



Nordine Ganso



On aurait presque oublié que Nordine Ganso fait partie des lauréats du Campus Comedy Tour. À l’instar d’un Paul Mirabel, le jeune humoriste bordelais s’est construit sur les plateaux, sautant de Ouigo en bus et autres moyens de transport inconfortables.









Les débuts sont difficiles, longs mais Nordine Ganso s’accroche. Il se construit une petite notoriété mais semble alors stagner. Plus récemment, il trouve l’antidote via une programmation à la Petite Loge. C’est sûrement sa première rampe de lancement. Espérons qu’il capitalise sur cette nouvelle opportunité pour asseoir son statut de comique émergent !



Line-up Étoiles Espoir humour du Parisien : où et quand voir les artistes de 2020 ?



Cette année, vous deviez avoir deux fois plus de chances de découvrir ces humoristes sous l’œil bienveillant d’Alex Vizorek et de Djimo, têtes d’affiche de la soirée.



Mais le couvre-feu a bousculé le programme, comme vous pouvez vous en douter. À l’heure actuelle, il reste donc une représentation avancée à 18h45. Rendez-vous le mardi 17 novembre à l’Européen lors de cette séance, si tout va bien. Si vous ne pouvez pas être présent, la soirée passera peu après sur Comédie+ et probablement en 2021 sur CSTAR. Cela fait pas mal de probabilités, mais croisons les doigts pour le maintien de cette soirée !

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Une histoire d’argent, c’est le nouveau spectacle de Certe Mathurin à la Petite Loge. Mis en scène par Réda Seddiki, que vaut ce nouvel opus ?



Une histoire d’argent : nouveau terrain fertile pour les blagues



Après avoir raconté des histoires et parlé d’amour, Certe Mathurin s’attaque au sujet de l’argent. Un spectacle thématique comme celui-ci peut par ailleurs rapidement devenir redondant s’il n’est pas bien ficelé.



Certe Mathurin, grâce à ses spectacles précédents et son expérience scénique désormais large, propose déjà une heure solide. Fidèle à la devise du One More Joke, il crée une expérience, un souvenir pour les spectateurs.



Dans Une histoire d’argent, le storytelling façon Certe Mathurin perdure !



Une histoire d’argent, c’est donc une série de blagues, d’informations et d’histoires sur l’argent. Comme on pourrait le voir dans une émission de divertissement, on rentre juste assez dans le vif du sujet sans tomber dans un cours d’économie.









Au lieu de proposer de nombreuses histoires, le spectacle se concentre sur une ou deux anecdotes assez originales et prenantes. Certe Mathurin propose donc un spectacle fun à regarder, qui passe à une vitesse folle et qui fait regretter d’en arriver à son terme. Un peu à l’image de son podcast Culture Joke, mais sans l’appui de ses invités…









En sortant de la salle, vous aurez d’abord appris deux ou trois informations pour faire briller les yeux des gens qui n’y connaissent rien. Mais pas seulement… Car la morale du spectacle n’est en rien moralisatrice, très juste. On la connaît déjà, mais on l’oublie trop souvent dans son quotidien. D’où un effet de surprise conservé pour le plaisir de tous !



Verdict : faut-il aller voir le spectacle de Certe Mathurin ?



J’imaginais ce spectacle solide, car Certe Mathurin a une fibre entrepreneuriale qui l’amène à tout donner pour satisfaire son public. Je suis sortie ravie de voir que le bon dosage d’humour et d’émotion m’offraient une heure de légèreté.



Cette parenthèse poétique sans prétention est l’un des meilleurs remèdes aux temps qui courent. En effet, elle permet de relativiser, prendre du recul sur ses problèmes.



Comme je l’avais prédit, l’association entre Certe Mathurin et Réda Seddiki fait des merveilles. Là encore, la Petite Loge prouve sa capacité à bien sélectionner les artistes pour ravir ses spectateurs…

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Bonhomme, c’est le spectacle de Laurent Sciamma qui fait exulter la presse et son public conquis. Juste après avoir affronté la salle exigeante qu’est la Comédie des 3 bornes, Laurent évolue désormais au Café de la gare. Un QG idéal pour son art. Le spot du rire a voulu juger la qualité comique de ce spectacle à la réputation si belle.



La reprise de Bonhomme : les 2 heures de monologue d’un « allié »



Je ne connaissais pas le Café de la gare. Dix minutes avant la représentation, je découvre un théâtre niché dans une cour intérieure au plein cœur du Marais. À l’entrée, je vois une affiche de Laurent Sciamma avec un descriptif autour de la théorie du genre. Je résiste à l’envie de m’enfuir au courant, parce que j’ai promis à des humoristes engagées de donner une chance au produit.



Car Laurent Sciamma est un pur produit du féminisme. Il s’efface en tant qu’individu pour partager son témoignage d’allié. Les alliés, ce sont ces hommes qui se veulent à l’écoute des femmes, ceux qui dénoncent le patriarcat. Une noble cause, certes, mais qui accepte mal la contradiction.



Des longueurs qui diluent la puissance du message



Le début du spectacle se perd dans quelques longueurs. On se dit que c’est la reprise, et que Laurent veut partager sa joie de retrouver son public. C’est évidemment légitime après six mois de pause. Alors on patiente, on écoute ces premières digressions.



Au bout d’un quart d’heure (estimation, je ne regardais pas l’heure), le bonhomme sur scène entre dans le vif du sujet. La structure est assez simple : il prend un élément cher à la cause féministe (le harcèlement de rue, les injonctions, #MeToo…) pour en faire des blagues.



C’est là où la presse exulte : Bonhomme n’est pas une conférence TED sur le féminisme. Ouf, c’est effectivement vrai. Laurent Sciamma enchaîne avec des mimes, tourne en dérision les situations du quotidien comme la peur de faire peur aux femmes le soir, quitte à changer de trottoir.



Le problème, c’est que quand on connaît le discours féministe, on n’est pas étonné des chutes. Tout est téléphoné, convenu et manque d’originalité. Et comme la structure se répète (malgré de nombreux running gags), l’ennui guette celui qui aime la surprise, celle qui déclenche un rire authentique.



Autre problème : Laurent Sciamma utilise du storytelling pour incarner chaque message. Mais il emploie beaucoup trop de mots. Par exemple, pour l’anecdote en voiture à la fin de spectacle, il répète six fois que l’action a lieu à 2 heures du matin. Au lieu d’utiliser chaque mot de manière chirurgicale pour renforcer la puissance de son message, il la dilue dans des histoires interminables qui ne tiennent plus en haleine lorsque, enfin, elles arrivent à leur terme.



Pour en arriver à deux heures de spectacle, Laurent Sciamma joue sur la multiplication des anecdotes. C’est un exposé des arguments les plus classiques du féminisme, agrémenté de ces histoires et ces blagues.



Bonhomme est en guerre, ou comment se prétendre inclusif en excluant celui qui pense différemment



La salle rit, mais moi non. Laurent Sciamma utilise tellement de termes techniques et de références qui parlent aux militants que j’ai du mal à me sentir concernée. Dans ces rires, on retrouve le soulagement de ceux qui se battent dans les associations comme sur les réseaux sociaux. Ceux qui ne sont pas écoutés, ou compris, dénigrés pour leur discours jugé parfois trop « extrémiste » (sic !).



Quelqu’un m’a dit récemment : « Il n’y a pas qu’une manière d’être féministe ». Je trouve cela très juste. Quand j’entends Laurent Sciamma dire « seuls les vrais savent », je vois le gouffre entre son monde et le mien. J’ai ainsi le sentiment de vivre dans un monde parallèle.



À certains moments, je ressens un vrai malaise. À l’heure où la “cancel culture” connaît un pic de popularité, Laurent Sciamma dépose des noms de « masculinistes toxiques » les uns à la suite des autres. Quand il parle d’Alain Soral, je me dis qu’Eric Zemmour ne va pas tarder. Gagné. À chaque fois, c’est un nom posé dans le texte. À aucun moment, on ne vient leur répondre sur le terrain des idées.



Pourquoi le faire, quand votre salle est acquise à votre cause ? Après tout, vous avez soigné le marketing de votre spectacle pour faire fuir les gens qui écoutent ces Soral, Zemmour, Finkielkraut et consorts…



En soi, rien d’étonnant. Mais quand vint le tour pour Nicolas Bedos de prendre sa douille, mon impatience se transforme en nausée. Le public applaudit, et cette manifestation exprime une haine envers cet homme. Comme s’il était réduit à des petites phrases sur des plateaux télé, à une vision tronquée de son histoire. Un procès d’intention sans contextualisation.



C’est drôle, car la dernière fois que j’ai entendu parler de Nicolas Bedos, c’était en réponse à un billet de blog du Crif autour de la question « Peut-on rire de tout ? » par le prisme de l’antisémitisme. Et sa réponse, publiée le lendemain, était remplie d’empathie, de réflexion et d’écoute pour cette personne qui s’est sentie offensée. Un dialogue étayé, posé, bien loin de ce moment caricatural vécu au Café de la gare.



Uniformiser les hommes et leur rapport à la sensibilité



Nicolas Bedos capable d’empathie, voilà qui invaliderait presque le discours de Laurent Sciamma sur la sensibilité des hommes. Il part du constat qu’on apprend aux hommes à enfouir leurs émotions… Tandis que les femmes sont (toutes ?) encouragées à les exprimer dans des journaux intimes « avec des cœurs à la place du point sur les i ».



Je m’attendais à autre chose sur la question du genre. Au final, c’est une succession de lieux communs qui ne résout rien. Certes, on trouve une ou deux tentatives intéressantes pour évoquer le manque de confiance en soi des femmes (là encore, on les met toutes dans le même panier). Mais le reste est bien faible et attendu. Je ne nie pas les problèmes, mais je fustige leur simplification à outrance. Surtout devant une salle déjà convaincue !



De cette introduction à cette branche du féminisme, je suis restée sur ma faim. J’étais attristée de voir une absence de nuance et de recul pour au final ne faire émerger aucune véritable solution. Proposer d’écouter une musique de 1996 pour relier enfin les hommes à leurs émotions, c’est un peu faiblard.



Bonhomme : le spectacle de Laurent Sciamma vaut-il le déplacement ?



Le problème de Bonhomme, c’est que ce spectacle n’est pas abouti. Par ses longueurs et son storytelling imprécis, ce spectacle manque de force.



Par son idéologie et sa tendance à recourir aux généralités, Laurent Sciamma est finalement plus un porte-parole qu’un humoriste[1]. Certaines blagues m’ont fait sourire, mais l’ensemble m’a plutôt laissé de marbre.



Au Café de la gare, Laurent Sciamma a le luxe d’avoir le temps de parfaire Bonhomme face à un public acquis à sa cause. C’est un cadeau empoisonné : sorti de la Comédie des 3 bornes, l’artiste a encore besoin de consolider le tout. La presse, quant à elle, a passé sous silence les imperfections techniques du spectacle.



Et quand elle se réjouit qu’enfin, un homme se positionne sur le féminisme, elle occulte tant d’œuvres qui l’abordent autrement. Réduire les stand-uppers à des gens qui parlent de leur pénis, c’est la preuve que bien trop peu de journalistes se déplacent dans les salles de spectacle.



Laurent Sciamma n’a pas le monopole du féminisme, heureusement ! On ne l’a pas attendu pour questionner le monde, avec beaucoup de subtilité parfois. Marina Rollman aimerait bien attirer des gens qui ne pensent pas comme elle dans ses salles pour élever le débat. Laurent Sciamma ne semble pas courir après ce même objectif. Au fond, Bonhomme ne parle qu’à la France des tote-bags et échoue à marquer l’histoire.



[1] Pour que ce soit bien clair, Laurent Sciamma reste un humoriste. Simplement, son absence de recul l’empêche d’endosser pleinement cette casquette.



Crédits photo/affiche



© LouizArt Lou

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Des mois après le passage de Yacine Belhousse à l’Européen, j’ai regardé Yacine Belhousse joue son spectacle en replay (disponible sur MyCanal et Comédie+). Comme l’humoriste ne m’avait pas autant convaincu dans Révolutions et qu’il n’avait pas besoin de moi pour l’aider à remplir, j’ai passé mon chemin. Aujourd’hui, je reconnais solennellement mon erreur.



Yacine Belhousse joue son spectacle : un aboutissement artistique ?



Ça y est, j’ai donc compris le génie de Yacine Belhousse. L’ancienne moi, sceptique face à tant de fanatisme chez ses pairs, retourne donc aujourd’hui sa veste avec un plaisir non dissimulé.



La première chose à comprendre, c’est qu’on peut créer un spectacle original sans perdre son public. Tant de spectacles commencent avec des débuts rassurants, sans prise de risque. Oubliez cela avec Yacine Belhousse. Dès les premières secondes, le spectacle déborde de créativité. L’univers est planté sans aucune préparation édulcorée. Les bruitages, histoires et situations ubuesques se succèdent.



Résultat : même derrière mon écran, j’éclate de rire. Cela devient rare, à force de voir des spectacles… Il faut vraiment y aller pour me provoquer quelque chose.



Pas que pour les puristes : une originalité accessible



Je ne connais pas bien le début de carrière de Yacine Belhousse. En revanche, en regardant son spectacle, j’ai le sentiment d’un aboutissement. Vu mon attrait pour l’originalité, il était finalement étrange que je ne soutienne pas tant que ça cet artiste. Je suis simplement passée à côté, pour des raisons qui m’échappent. Adrien Montowski, j’ai compris tout de suite. Jean-Philippe de Tinguy, idem. Je ne vous parle même pas de William Pilet : vu en coup de vent sur scène, je sais déjà que j’aime.



Alors, quelles raisons expliquent mes œillères d’antan ? Je connais bien sûr la première : mon attrait pour les artistes qui commencent à éclore. Comme si je jouais les devins, j’aime me projeter dans la suite fructueuse, parier sur un cheval qui vient de commencer à trotter. Quand la personne a déjà construit sa légitimité, j’ai plus de mal à la conter. Et c’est donc un plaisir bien plus jouissif, a posteriori, de faire ce chemin et de comprendre un artiste… après la tempête.



Mais il y a plus que ça. Je trouve ce spectacle si bien ficelé que Yacine Belhousse n’a pas à ramer pour embarquer le public. Cela semble naturel : comme souvent dans ce cas de figure, c’est la preuve d’un travail acharné. À peaufiner dans les plateaux, mais pas seulement. Pour l’avoir souvent vu dans les caves parisiennes, j’ai retrouvé certains passages. Mais contrairement à d’autres artistes, les passages en plateau ne divulgâchent pas l’ensemble. L’atmosphère du spectacle complet est unique, envoûtante.



Bref, c’est la grande classe et ça prouve que ceux que je trouvais fanatiques avaient simplement compris. Je vous souhaite que le même constat vous saute à la gueule quand vous regarderez ce spectacle.

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